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Art is about connection | Cristina Valls

Performance: actividad artística que tiene como principio básico la improvisación y el contacto directo con el espectador.

La moda tiene una función utilitaria: ya sea resguardarnos del frío, ayudarnos a realizar más cómodamente un oficio o minimizar nuestro pudor. Pero, ¿qué hay más allá de esa vertiente práctica?

Cuando estudiaba en la universidad, recuerdo que un profesor nos hizo cuestionarnos qué es la literatura con la siguiente pregunta: ¿un libro que nadie lee es literatura? Nos estaba invitando a reflexionar sobre si el arte sin interacción con el público puede considerarse arte.

Y es que la conexión que se establece entre la pieza y el público es la que le da sentido a la obra. Dicho de otro modo: es la relación con el lector, lo que hace a un libro literatura; de la misma manera, la ropa es moda en cuanto nosotros la vestimos con una intención estética y social, si no podríamos decir que son simplemente trozos de tela unidos por unas costuras.

Performance Sutre

En Moda de Sofá hemos hablado con Cristina Valls, una diseñadora de moda que cree que la moda tiene una gran parte artística, que no todo el mundo conoce. Estudió Diseño en Barcelona, pero cuando acabó la carrera necesitaba entrar en contacto con la parte más artística de la moda y de ella misma. Ese deseo la llevó hasta Londres a estudiar en la London School of Fashion un máster en Arts & Performance que culminó en un proyecto llamado Danae. A partir del mito griego, plasmó en el escenario el viaje de niña a mujer a través de las prendas de ropa.

En esta entrevista reflexionamos sobre la moda como una expresión artística más de la sociedad. En ella no os ofrecemos verdades, sino dudas y reflexiones para que vosotros mismos podáis crearos vuestra propia visión de la moda como arte a partir de una charla entre entrevistada y entrevistadora.

¿Cómo sientes tú la moda?

La moda es una forma de expresión, de mostrar tu identidad y mostrarte al mundo. En este sentido, creo que tiene un punto importante de psicología. A nivel personal, considero que a medida que nos hacemos mayores, la moda se alinea con quiénes somos.

Ahora estás trabajando en Lefties, marca de Inditex, en el departamento de moda tejana o denim. ¿Cómo explotas tu creatividad en ese material?

En Lefties llevo dos años y medio. La mayor parte del tiempo estuve haciendo prendas de exterior, como abrigos y chaquetas. Recientemente, cambié al denim y lo disfruto más porque está más alineado conmigo. Es muy minimalista, una tendencia con la que cada vez me siento más identificada. Ahí diseño la tendencia que se llevará la próxima temporada, es decir, propongo qué tenemos que producir.

A partir del Covid-19, ¿habéis notado un cambio en la manera de operar en la compañía?

Yo solo puedo hablar de mi marca. Hoy, por ejemplo, me han llegado unas cajas con hilos que sobraron a raíz de las cancelaciones de producción por el Coronavirus.  Ahora mismo me dedico a diseñar cosas nuevas con las materias que sobraron durante la pandemia para que no se pierdan.

Si a partir de la crisis sanitaria produciremos más o menos es aún pronto para saberlo. Personalmente, me gustaría que produjéramos menos, no solo nosotros, sino la industria de la moda en general. Creo que todos estamos viendo que necesitamos que los productos duren más. Poco a poco el cliente irá hacia ese modo de vida. En Lefties estamos enfocados en los básicos. Vemos lo que se está vendiendo y la gente compra muchos básicos. Está habiendo un cambio de mentalidad, pero es muy difícil que las marcas cambien si la gente no cambia antes.

Fuiste a Londres a estudiar a la London School of Fashion. ¿Qué aprendiste ahí? ¿Qué tiene esta escuela que apela tanto al lado artístico de la moda?

Depende del curso que realices, claro, pero es verdad que en Londres el arte en general está mucho más valorado que en España. Londres es una ciudad que te permite expresarte muchísimo artísticamente. Tiene una influencia cultural, artística, audiovisual… increíble. Una vez llegas allá, la gente está tan absorbida con estas influencias que lo vives en las aulas.  También es verdad que la escuela tiene renombre porque de ahí han salido personalidades del mundo de la moda muy famosas como Alexander McQueen o Stella McCartney.

Yo, concretamente, cursé un máster en Arts & performance, es decir, ya de por sí estaba muy enmarcado en el ámbito artístico. La mayoría de mis profesores procedían del mundo del teatro, de historia del arte, galerías, etc. Muchos, además, eras artistas ellos mismos.

Mis estudios me enseñaron a investigar y mezclar muchas disciplinas distintas. Todo enfocado con la finalidad de materializarlo en un proyecto.

¿Me puedes explicar un poco más cómo se llevaba a cabo esa relación entre arte y performance?

Era una relación entre una obra de teatro y una expresión del actor o actriz en un espacio artístico. Yo lo representaba mucho en galerías de arte, por ejemplo. En mi caso, me interesaba la relación entre arquitectura y arte y me influenciaba de artistas como Anish Kapoor o Hussein Challenge.  

En las pasarelas yo no solo mostraba la prenda, representaba algo más. Entendía el traje como un medio de expresividad en el que siempre mezclaba arquitectura, arte, feminidad y transformación como un viaje interior que había que recorrer. Cuando lo miro ahora en la distancia me doy cuenta de ello, porque en su momento tenía el proyecto dividido en cuatro partes: tres y el final. 

La performance es, además, una manera de conocer el cuerpo, ¿no?

Claro, el cuerpo es muy individual del bailarín o actor. Es una forma de plasmar la expresividad que está sintiendo esa persona. En mi caso, la ropa que viste siempre tiene una connotación transformativa. Mediante esta transformación yo quería trasladar un mensaje a la audiencia, ya fuera una crítica política, social o sobre feminidad. En este sentido, la ropa acaba siendo la pieza de arte en sí misma.

Hice muchos proyectos relacionados con esto y mi proyecto final llamado Danae lo acabé exponiendo en varias ciudades al acabar el máster. El trabajo se centraba en un mito griego y narraba la transformación de una niña a mujer mediante los trajes que vestía.

Performance Danae

Otro proyecto en el que participé fue Sutre. Lo realicé junto a una chica inglesa que conocí en el máster llamada Madeleine Trigg. Sutre fue un trabajo muy gratificante porque lo acabamos exponiendo en ciudades como Vitoria, Londres o en la bienal de Praga. Se trataba de un traje que se deshacía con el agua y la persona que realizaba la performance acababa desnuda. Cuestionábamos la imagen de la mujer, de su cuerpo y su feminidad.

En este sentido, el traje era único, lo teníamos que crear de nuevo cada vez. Durante la performance el traje se deshacía con el agua y solo quedaban restos. De estos restos, realizamos piezas de escultura. Así que la pieza final era el resultado de cada performance.

Me muero de curiosidad, ¿cómo se deshacía el traje con el agua?

La bailarina salía con un vestido hecho con un material especial que tenía un bordado que representaban las costillas y las venas con colores azules y rojos. En la performance empezaban a caer gotas de arriba. Básicamente, va cayendo agua y el traje se va moviendo hasta que ella se queda desnuda. Es muy bonito de ver. Daba igual cuántas veces lo veía, siempre me quedaba embobada. Visualmente es muy impactante.

Performance Sutre

Hicimos, aparte, una colaboración con una empresa que hacía hologramas y acabamos representando Sutre con hologramas. Era como tener una representación a tu lado.

Durante la cuarentena estás colaborando con otros artistas en un proyecto, ¿puedes contarnos un poco más sobre él?

Inicialmente el proyecto surgió hace tiempo, hace unos cuantos años que me ronda la idea en la cabeza. A raíz del Covid-19, con una amiga empezamos a hablar y surgió el proyecto llamado Breath Earth Movement. Es una plataforma para que todos los artistas colaboren en una conciencia colectiva sobre el arte y la tierra. Temas, por otro lado, que han resurgido con todo lo que está pasando. Estamos creando música y proyectos visuales, aunque aún no sabemos muy bien cómo lo enfocaremos. Nos gustaría a que a partir de aquí pudiéramos organizar eventos que puedan tener un impacto en comunidades de otros países, siempre de manera sostenible.

¿Qué opinas del Covid Art Museum? ¿Qué impacto puede tener en el mundo de la cultura y el arte este tipo de iniciativas digitales?

Creo que era hora de reinventarse, de hacer colaboraciones tanto en la moda, como en otras disciplinas artísticas, porque al final el ser humano tiene que adaptarse para sobrevivir. Sabemos que habrá una crisis económica enorme y si no nos ayudamos los unos a los otros y nos damos visibilidad mutuamente -que es lo que hacen plataformas como el Covid Art Museum-, nadie lo hará.

Todo el mundo habla de cómo afectará el virus a la economía o a la salud mundial, pero también debemos hablar de cómo afectará a nivel artístico y sentimental. El arte es una forma de expresión de los sentimientos que puede tener una función muy terapéutica. Por eso ha surgido tanto arte del Covid.

Claro, de hecho, el confinamiento ha dejado patente lo necesarios que son el arte y la cultura en nuestras vidas.

Sí,el arte es una parte intrínseca de las personas. Cuando me has preguntado sobre las iniciativas digitales que están surgiendo para promocionar el arte me ha venido a la cabeza una frase que leí hace poco en una entrevista que decía: Art is about connection. Es decir, ningún artista quiere hacer una obra de arte y dejarla encerrada, el arte ha de estar vivo y ahora más que nunca necesitamos de estas plataformas para dar visibilidad a estos artistas. Además, ahora hay una necesidad de expresarnos brutal, pensemos que en cierto modo nos han quitado libertades individuales con el confinamiento.

El Covid ha puesto nuestra vida en pausa y nos ha hecho reevaluar muchos aspectos de nuestro día a día. Hemos puesto en orden nuestras prioridades y el papel que encajamos como individuos en la sociedad. De ahí, que hayan surgido artistas que hayan tenido la necesidad de crear más que nunca.

Tanto el arte, como el hombre se adaptan. Si ahora están surgiendo estas plataformas digitales es porque se necesitan. Es muy importante que haya conexión y que la gente que no tenga acceso al arte de según qué formas, lo pueda tener a través del móvil. Nos adaptaremos y convivirán distintas formas de expresión artística. No creo que desaparezcan las galerías de arte.

De hecho, viendo informes de tendencias que leo en el trabajo, me doy cuenta de que hay una gran tendencia a reconectar con actividades como la cerámica, la costura y demás actividades tradicionales que parecían medio olvidadas. Es decir, hay una tendencia a volver hacia actividades muy manuales.

Me ha gustado mucho una cosa que has comentado y es esa función terapéutica del arte. ¿Puedes desarrollar esa idea?

Creo que vivimos en un mundo donde la gente pone el automático en marcha. No paramos, no nos escuchamos a nosotros mismos. La creatividad nos da eso y, sobre todo, después de pasar tantos días en casa (claro que también depende de la circunstancia de cada persona).

¿Qué políticas culturales crees que se podrían implementar desde el gobierno a favor del arte?

Sinceramente, no lo sé. Creo que debería haber más subvenciones para los artistas y los profesionales de la cultura. También habría que cambiar la educación en las escuelas en cuanto al desarrollo del arte y creatividad en los niños. La educación lleva anclada desde hace muchos años. Si esto cambiara, estaríamos más conectados con nosotros mismos y nos conoceríamos mejor.

Creo que ya se está cambiando esta visión en los colegios, pero no sé hasta qué punto se tratan solo de las escuelas públicas.  Es importante no tener miedo a reinventarse. Con el Covid debemos buscar alternativas y tener una mirada de cambio.

¿Qué otros proyectos creativos relacionados con la moda tienes pendientes de realizar?

Me encantaría que dentro del proyecto que te comentaba antes, entrase la moda en juego y, sobre todo, la moda sostenible. Me gustaría que fuera un nexo de unión para la gente.

También tengo otro proyecto en mente que aún no puedo desvelar. Solo te diré que tengo la necesidad de hacer alguna cosa relacionada con el reciclaje, el minimalismo y que el consumidor se enamore de la moda. Considero que la moda debería crearse para durar. Me gusta pensar que la moda tiene una memoria, un significado.

Beatriz Solivellas

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